La simiente del arte conceptual (página 2)

 El proyecto del
arte pop puede
compararse con el de Duchamp en puntos muy precisos. A comienzos
de la década de los "60, en 1962 y 1963, Andy Warhol
produjo una serie de retratos de Marilyn Monroe, luego
reproducciones de La Gioconda con un título
transparente: "There are better than one" , es decir,
"Treinta valen más que una". Estas obras, multiplicadas en
forma de afiches, se extendieron por todas las ciudades
universitarias del mundo libre. Con la técnica de la
serigrafía o de la pantalla de seda, 
Warhol reproducía, dispuestas en un rectángulo seis
por cinco veces la misma imagen: no
cualquiera, sino la más célebre de todas, y no la
propia imagen sino una fotografía. (…) El arte se convierte
en la reproducción de una reproducción, en
este caso, la de la fotografía en blanco y negro de la
estrella de Hollywood o del cuadro más célebre del
Louvre, y quizás del mundo (…) En 1919, Duchamp
garabateó unos bigotes y una barba en una
reproducción fotográfica de La Gioconda y
tituló este ready-made rectificado: L.H.O.O.Q.,
siglas cuya pronunciación confirman la intención
humorística e iconoclástica de la
rectificación. Duchamp asombraba al burgués, pero,
siempre ambiguo, se burlaba menos del propio arte y de la
pintura que de
la religión
moderna del arte convertido en emblema por la reproducción
al alcance de todos los bolsillos de la obra maestra del
Louvre.[5]

Mientras el arte
povera[6] utiliza
elementos de desecho, efímeros en su constitución, con el intento de reconciliar
lo natural con lo realizado por el hombre. En
esta manifestación encontramos propuestas éticas y
estéticas a la vez y por su relación con la
naturaleza, se
relacionó en clases con la serie Fibonacci,
refiriéndose a esto Doczi expresa:

"Curiosamente, los números de la serie Fibonacci
reaparecen en la cantidad total de espirales del girasol
(…) Parece poco razonable creer que la cantidad de
semillas de un girasol esté predeterminada, sin embargo,
eso es exactamente lo que sucede. Los números irracionales
no son irrazonables; únicamente están
más allá de la razón, en el
sentido de que trasciende el alcance de los números
enteros. Son infinitos e
intangibles."[7]

 El fluxus, por su parte, hace alusión a la
única posesión del presente y la muerte de
los grandes discursos,
representa en su trasfondo además, lo lúdico ligado
al happening. Jean Arp y su esposa, por otra parte
Sofía utilizan materiales no
artísticos en sus composiciones. Entretanto, el
happening en su estructura "es
una forma abierta, sin un comienzo, un medio y un final
estructurados."[8] Más
adelante, Marchan Fiz nos expresa que:

La estructura abierta, indeterminada y espacio-temporal
denuncia su inadecuación al marco clásico de las
instituciones
culturales, galería o museo. El happening ha sido otro de
los intentos de romper con la mercantilización del
producto
artístico aislado, con el privilegio indiscriminado de
especular con el valor de
cambio.[9]

El minimalismo, es la más pura estilización de
la forma, refinamiento estético, reinvindicando lo
objetivo,
posee su propio espacio, junto con el pop art puede
catalogarse como una respuesta diferente ante un mismo hecho: el
de la dialéctica del modernismo, la
cultura de
masas y la sociedad
consumista.

Después de todo lo expuesto anteriormente, pasamos a
presentar lo más resaltante del arte conceptual, el cual
tiene sus antecedentes en el arte objetual y es interesante el
arte conceptual que se ha dado en nuestro país. En
Venezuela, a
finales de los años "60 el artista Mario Abreu es uno de
los exponentes del arte objetual surrealista en el país,
encontramos por otro lado, un naturalismo tenebrista imbricado al
surrealismo en
artistas más regionales como Williams Ibáñez
en San Fernando de Apure. Otro artista asimilado por esta
corriente es Claudio Perna, el cual es influenciado por Marcho
Marmujar y Simón Rodríguez, al igual que Carlos
Zerpa y sus conceptualismos sobre los símbolos patrios como por ejemplo, el uso
de los colores de la
Bandera Nacional en sus obras.

Otros artistas venezolanos son: Ana María Macey,
Eugenio Espinoza, Alfredo Ramíres,
(la poesía
visual) Antonieta Sosa, Roberto Obregón el cual representa
en sus obras la muerte, la
soledad, la memoria;
Javier Tellez, Dulce Gómez, Alí Gonzalez, Marco
Antonio Etedgui.  

Para hablar sólo de alguno de ellos tomaremos la obra
de Ángel Vivas Arias, quien a través de sus objetos
encontrados (desechos como por ejemplo, hormas de zapatos,
sombreros, relojes, baúles, zapatillas de ballet,
muñecas viejas), libros
intervenidos, maletas, simbolritmos, entre otros, presenta un
trabajo
artístico inserto dentro de los elementos del art
trouvé, ya que Vivas Arias convierte algo encontrado y
cambiado por casualidad en una elección personal,
promovida por su propia psique, impulsora de vivencias.
También realiza el poema-objeto que es una
combinación de textos y objetos encontrados-interpretados,
en sus libros intervenidos. Igualmente maneja objetos de
funcionamiento simbólico (en el sentido freudiano con
preferencia a lo libidinoso, sentimental y fetichista), con el
uso de sus maletas, elemento infaltable en sus
representaciones.

En al arte que surge en la década de los "80, se exhibe
lo pluricultural y polifacético del arte, llegando a la
impersonalidad de la cámara fotográfica, el
desarrollo de
la camara obscura que se remonta a Aristóteles, según Claudia
Giannetti[10] hasta completar con
la creación de sistemas,
microsistemas y tecnología de
avanzada del video-art que ya conocemos hoy día.
Dando al arte un giro de 90º en lo que respecta a la idea.
Sin embargo, es el artista el que reivindica su posición
como ente creador, hilvanador de conceptos estructurados o no,
capaz de dar al arte nuevas connotaciones y diversidades
inclusivas a la sociedad que representa.

En este sentido, podemos mencionar el trabajo de
la artista plástico
venezolana Sandra Vivas quien ha mostrado en sus obras una
riqueza de significados a través de su propia experiencia
personal. A pesar de haber padecido una enfermedad
congénita que le había impedido caminar hasta los
tres años, la cual ha subsanado con prácticas de
ballet clásico, danza
contemporánea, yoga y artes marciales como el
aikido[11], ha plasmado en su obra
un verdadero sentido humano, aunque se le tilde de
feminista, exhibe una clara trayectoria hacia el
autoconocimiento del enigma que implica ser mujer imbricado
al arte, en el sentido más amplio:

Con más frecuencia, las feministas han acudido a la
más misógina de las culturas, la griega, para
encontrar una metáfora del lugar de la mujer en
relación con la ley o la
pólis; la Esfinge, quien hasta donde sabemos, no
grabó su mensaje, sino que transmitía sus enigmas a
extramuros de la ciudad (…) la monstruosidad o el lado
icónico silencioso es lo que nos han legado la Esfinge y
lo femenino en las culturas greco-cristianas (…) Freud
concibió lo misterioso como algo vinculado a los momentos
de miedo, especialmente a la ansiedad por la castración
(…) Lichtenberg Ettinger sostiene que estas huellas
arcaicas tardías no tienen necesariamente que infundir
miedo, y que no necesariamente revisten la disyunción
presencia/ausencia. Puede haber, en lenguaje
pos-lacaniano, un objeto a matrizal, la
señal de una pérdida, pero no de una condenada,
como en el sistema
fálico, a ser el punto del posible colapso del sujeto.
Todo lo cual es importante en cuanto se da una colisión
entre objeto a, mujer, cosa, y una fisura en la
significación, como la oscuridad en la que el significado,
hombre, se
escribe a sí
mismo.[12]

 De sus primeros videos Bolero, Eou sou uma
puta culta y El lobito herido, realizados en 1994
mientras estudiaba en el San Francisco Art Institute, menciona
Ana de Azcárate que:

En ellos, la artista personifica, a partir de su
condición de mujer, diversos roles usualmente encarnados
por el hombre. En el primero ejecuta el papel de fémina
despechada que expía su drama a través del canto,
en el segundo actúa como prostituta que drena sus impulsos
a través del ejercicio físico, y en el tercero como
mujer-macho que manifiesta su poder a partir
del maltrato físico y psicológico a su pareja. En
estas obras la artista revierte el papel de la mujer
valiéndose de la ironía para cuestionar los
estereotipos de género de
nuestra sociedad y trastocar los  valores 
comúnmente  asociados  con  la
masculinidad.[13]

Posteriormente, ese autoconocimiento se muestra en su
obra Lujuria, 2002, de la serie pinturas
anestésicas donde: "se separa de sus inquietudes iniciales
y explora un lenguaje más intimista y abstracto, donde
pone en evidencia cómo el arte responde a la vida y se
fusiona con ella."[14]

En la categoría del Land-art, mencionamos la
obra de Christo Javacheff[15] por
su gran envergadura, a este respecto las opiniones de Ina Bainova
son bastante esclarecedoras:

Christo Javacheff y su esposa Jean-Claude de Guillebon
trabajaban juntos. Forman un equipo artístico incomparable
(…) Las decisiones operativas de Jean-Claude constituyen
una extensión de los dibujos de
Christo y contribuyen a la creación misma del
proyecto.

En su obra no hay evidencia de la mano del artista. Su estilo
característico existe solamente en sus dibujos, en los
collages o en los pequeños objetos envueltos.

Los grandes proyectos son el
resultado de una práctica colectiva. Además,
durante el proceso de
realización de sus obras, Christo y Jean-Claude nunca
discuten el significado personal que los motiva; más bien
describen y detallan todas las innovaciones y las técnicas
utilizadas especialmente para un determinado proyecto. Hablan de
la parte política o social que
ponen en movimiento.
Ellos no son inventores, sino creadores. Por eso sus proyectos
crearon un nuevo tipo de público (…)

El carácter absolutamente irracional de los
proyectos tiene una fuerza
indiscutible que perturba profundamente la comprensión
humana de la sociedad capitalistay pone en duda los valores
mismos de la sociedad.

La mayor contribución de estas propuestas es su impacto
en el desarrollo de nuestra conciencia como
cultura. Es un arte efímero y único a la
vez.[16]

En esta línea, la investigadora Susana Benko,
también expone su conclusión:

En todas sus intervenciones se constata que el arte,
adicionalmente a su potencial estético y de impacto
visual, es sin duda un hecho emocional. Una obra de Christo que
es en realidad la obra de un colectivo significa un cambio
sustancial y profundo para el que vive, trabaja o transita por
cualquiera de sus obras. Existe un antes y un después, y
en ello está su
distintivo.[17]

Es por esto que el sujeto se funde con el objeto en la
expresión artística contemporánea,
más allá de la mímesis que podría
significar por ejemplo, una obra del cuatroccento con respecto a
una obra conceptual como la de Javacheff. Para finalizar, podemos
cerrar con una opinión de Doczi:

Tanto el compartir, como la dinergia son procesos
básicos de formación según patrones que
unifican las diversidades. La existencia básica de la
unidad entre las múltiples diversidades de este mundo es
una de las observaciones más antiguas de la humanidad.
Las culturas ancestrales atribuían  esta unidad a las
divinidades o a un creador único. Los filósofos presocráticos buscaron su
secreto en una sustancia universal, Tales la vio en el agua,
Anaxímenes en el aire y Heráclito en el fuego (…) En
épocas más recientes, este concepto se ha
vuelto básico tanto en el arte como en la ciencia.[18]

Esta cita representa la unidad presente en todas las cosas, el
arte no escapa a ella aunque puede caerse en generar una
solución o explicación holística a
sus múltiples manifestaciones. En conclusión,
parafraseando a Göethe en Fausto, nada más
propicio para culminar este análisis descriptivo, el arte es largo y
la vida es corta.

BIBLIOGRAFÍA

AZCÁRATE de, Ana, La última sábana.
Sandra Vivas, Casi todo. Exposición
individual en: ,
Caracas, 8 de mayo de 2004.

BAINOVA, Ina y Benko, Susana, Christo y Jean-Claude.
Proyectos. Catálogo Nº 23. Exposición
Nº 50. Museo de la Estampa y del Diseño
Carlos Cruz Diez, Caracas, 18 de agosto de 2005.

COMPAIGNON, Antoine, Las cinco paradojas de la
modernidad, Monte Ávila, Caracas, 1993.

DOCZI, György, El poder de los límites.
Proporciones armónicas en la naturaleza, el arte y la
arquitectura, Buenos Aires,
1996.

GIANNETTI, Claudia, (ed.) Arte en la era electrónica, perspectivas de una nueva
estética. Associació de Cultura
Contemporánia L"Angelet y Göethe Institut, Barcelona,
1997.

GUASH, Ana María, Manifiestos del arte
posmoderno, Akal ediciones, 2000.

JENCKS, Charles, El lenguaje de la arquitectura
posmoderna, Gustavo Gili, Barcelona, 1981.

MARCHAN FIZ, Simón, Del arte objetual al arte de
concepto. Epílogo sobre la sensibilidad posmoderna.
Ediciones Akal, Madrid,
1960.

MICHELI, Mario de, Las vanguardias artísticas del
siglo XX, Alianza Editorial, Madrid, 1979.

RAMÍREZ, Juan Antonio, Picasso, Alianza, Madrid,
1994.

SANCHEZ VIDAL, Agustín, Dalí, Alianza,
Madrid, 1994.

Autora:

Liliana Durán

[1] Aunque el comienzo tangible
de la posmodernidad
puede encontrarse en la arquitectura gracias a la
convicción de Charles Jencks cuando declaró que la
arquitectura moderna murió en San Louis Missouri, el 15 de
julio de 1972, esta es la fecha en la que el proyecto de vivienda
de Pruittigoe fue dinamitado. En opinión de este
teórico, este momento evidencia los comienzos de una
multiplicidad de fuerzas de resistencia ante
la hegemonía de la modernidad.
Charles Jencks, El lenguaje de la arquitectura posmoderna,
Barcelona, 1981, p.9. Aunque con connotaciones diferentes, un
precedente de este hecho mucho más antiguo lo encontramos
en Japón,
se trata de la Mina del Este del Santuario de Ise, dedicada a la
diosa del alimento Toyo-uke-bime-no-kami. Es la más
antigua porque sus orígenes se ubican en el siglo IV y la
más nueva porque se demuele y se vuelve a edificar cada
veinte años. György, Doczi, El poder de los
límites. Proporciones en la naturaleza, el arte y
la arquitectura. Buenos Aires, 1996, p. 120.

[2] Mario de Micheli, Las
vanguardias artísticas del siglo XX, Madrid, 1979, p.
155

[3] Agustín
Sánchez Vidal, Dalí, Alianza, pp. 45 y
46

[4] Antoine Compagnon, Las
cinco paradojas de la modernidad, Caracas, 1991, p. 90

[5] Op. Cit., p. 93

[6] Pueden mencionarse entre sus
representantes: Germano Celant, Giovanni Anselmo, Alighiero
Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario y Marisa Merz,
Giulio Paolini, Pier Paolo Calzonari, Pino Pascali, Giuseppe
Penone, entre otros.

[7] Op. Cit., p 5

[8] Simón, Marchan Fiz,
Del arte objetual al arte de concepto. Epílogo
sobre la sensibilidad posmoderna, Madrid, 1960, p., 196.

[9] Op. Cit., p. 197

[10] Claudia Giannetti, Arte
en la era electrónica, perspectivas de una nueva
estética.  Barcelona, 1997, p. 137

[11] Muy recomendado por su
estrategia en el
manejo de la energía del oponente.

[12] Ana María Guash
(ed.), Manifiestos del arte posmoderno, (Griselda Pollock,
Inscripciones en lo femenino), 2000, p. 343 y 344

[13] Tomado de Ana de
Azcárate, La última sábana. Sandra Vivas,
Casi todo. Exposición individual en: http://av.celarg.org.ve/decoleccion/sandravi.htm,
Caracas, 8 de mayo de 2004

[14] Ibm.

[15] Ejemplo de su obra:
Surrounded Islands Project Biscayne Bay (Greater Miami, Florida),
donde se utilizaron 603.850 metros de tela rosada flotando sobre
el agua y mucha
dedicación. Muchos de sus proyectos, a veces
requerían largos años, con un profundo sentido
dévoilement. Javacheff y su esposa revelaron gran
esmero en todo cuanto realizaban, ejemplo de ello son The
Umbrellas, Japan-USA, 1984-1991. California, USA Site o
The Pont Neuf Wrapped, París 1975-1985.

[16] Ina Bainova y Susana Benko,
Christo y Jean-Claude. Proyectos, Caracas, 2005. p.
s/n.

[17] Op. Cit., p. s/n

[18] Op. Cit., p. 79. Las
negrillas se han utilizado para resaltar la idea.